这套合辑收录了钢琴家李赫特的多张钢琴独奏唱片。虽然李赫特通常避免成为一个“完美主义者”，但这个系列的作品和作曲家的范围广泛而丰富。李赫特不喜欢在录音棚演奏，但合辑中大部分的录音资料，包括穆索尔斯基《图画展览会》、李斯特《b小调奏鸣曲》、韦伯《d小调奏鸣曲》、德彪西《Estampes》、斯克里亚宾《第五奏鸣曲》和舒曼《C大调幻想曲》，拉赫玛尼诺夫《前奏曲》、普罗科菲耶夫《第八奏鸣曲》以及肖斯塔科维奇的六首《前奏曲和赋格曲》仍然是经典的录音室录音。
从1956年到1992年，这套合辑还展示了李赫特从难以捉摸的激情青年到朴素的键盘老手的演变过程。如果李赫特对晚期巴赫和莫扎特作品的“素简”式诠释是一种后天的品味，那么我们就无法否认这位钢琴家的专注和迷人的演奏是多么引人入胜。以前错过这些唱片的李赫特粉丝会发现这套合辑是真正的性价比逆天。
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小喵陪你听古典
聆听美妙旋律、感受艺术真谛
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这张专辑是海廷克指挥伦敦爱乐乐团，演奏肖斯塔科维奇《第七交响曲》。
《C大调第七号交响曲“列宁格勒”》作品60，作于1941年。第二次世界大战中，苏德战争爆发后，前苏联政府马上总动员艺术界“为祖国而战”，由此产生了许多伟大的爱国主义作品，肖斯塔科维奇这部作品就是其中的佳作。他表示：“此曲是战斗的诗篇，是坚强的民族精神之赞歌。”全曲的气势极其宏伟壮大，终乐章的音响更是震耳欲聋。
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这张专辑是索尔蒂指挥维也纳爱乐乐团，演奏瓦格纳著名的管弦乐作品。这些曲子都是选自瓦格纳的歌剧，而且是从索尔蒂指挥的歌剧全曲唱片上剪辑下来的。因此这张专辑不仅是瓦格纳的作品精华，也是唱片史上最著名的索尔蒂版瓦格纳全部歌剧录音的一个缩影。
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这张专辑是小提琴家亚历山大·斯科维斯基与钢琴家迪诺拉·瓦尔西携手，与迈克尔·霍夫斯蒂特指挥的斯图加特室内乐团合作，演奏门德尔松少年时创作的几部钢琴与小提琴协奏曲。
《d小调小提琴协奏曲》MWV.O.3，是1822年门德尔松为里茨（Eduard Rietz）而作，在门德尔松到瑞士旅行以后完成的作品。确切的初演日期不详，但据推算应是在每週日于门德尔松家中举行的音乐聚会中初演。里茨是伯林爱乐管弦乐团的创立者与指挥家，他与门德尔松的私交甚笃，除了这部《d小调小提琴协奏曲》之外，门德尔松曾写下了小提琴奏鸣曲(作品四)和八重奏(作品二十)题赠给这位同时也是小提琴家的老师兼好友。
《a小调钢琴协奏曲》MWV.O.2，作于1822年，当时门德尔松年仅13岁。此曲虽然作品技法略显稚嫩，但旋律很好听，乐队协奏部分也很丰满，完全不像一位13岁少年的作品。
《d小调钢琴与小提琴协奏曲》MWV.O.4，完成于1823年。这是门德尔松14岁时的作品，少年的音乐天才展露无遗，钢琴与小提琴在管弦乐团的衬托下深情对话，一唱一和，非常精彩。
大家都在听
斯托科夫斯基《魔法师》
这张专辑收录了指挥家斯托科夫斯基指挥几个著名交响乐团的演奏录音。曲目包括巴赫、贝多芬、李斯特、瓦格纳、斯美塔纳、勃拉姆斯、里姆斯基-柯萨科夫、拉赫玛尼诺夫、埃奈斯库、维拉-罗伯斯、普罗科菲耶夫、肖斯塔科维奇的作品，涵盖巴洛克、古典、浪漫、现代的风格。
列奥波德·斯托科夫斯基（Leopold Stokowski，1882-1977）美国波兰裔指挥家、古典音乐改编家。他的指挥富于激情，以音响丰满、色彩鲜艳而引人入胜，被誉为“音响魔法师”。斯托科夫斯基对新鲜事物很敏感，并且酷爱音响学，他经常和一些音响专家在贝尔实验室进行音响试验，斯托科夫斯基也是第一个从事电影工作的指挥家，他和美国动画片大王迪斯尼合作的动画片《幻想曲》，首次运用卡通和真人相结合的手法，并配以宏大的管弦乐演奏获得了意外的效果，在这部影片中，斯托科夫斯基充分发挥了他的管弦乐天才，改编了许多古典音乐名作，并配以迪斯尼奇幻莫测的精美画面，构成了一幅幅迷人的多彩图景，当时使用的是18个不同声道录音，这实际上就是早期立体声的先驱，但值得注意的是，早在1939年就运用这些手法。
斯托科夫斯基在指挥艺术方面是不拘一格的，他在年轻时，在一次指挥音乐会演出时，因动作猛烈不慎折断了指挥棒，从此以后，他就干脆徒手指挥。斯托科夫斯基在指挥艺术发展史上有着卓绝的贡献。他敢于打破传统的束缚，热心于各种革新与试验，热衷于介绍新作品，培养新生力量，他塑造了独一无二的管弦乐音色，他具有极富想象力的作品诠释能力。他不是死守原谱派，他认为音乐必须透过指挥家和演奏家的心灵作用才能显现出它的内在美感，换句话说，指挥家是无法客观地置身于音乐之外的。为了体会各种乐器的特性和难度，斯托科夫斯基还利用每年假期的时间专程前往巴黎去学一样新乐器。斯托科夫斯基艺术最突出的一点就是他那独一无二的音色，坚实、浑厚、富有光泽以及独树一帜的句法。
斯托科夫斯基永远在追求最好的声响，不断地冒险创新，对于他而言，没有什么一成不变的必须恪守的规则。“声响”不仅仅意味着听觉效果，更意味着将音乐的各个层面展示出来。乐章的存在，并不是由写在纸上的音符所决定，而只能由音乐家所作出的再创作甚至全新创作的演出所决定。这就是斯托科夫斯基对于指挥的见解，他拒绝做乐谱中规中矩的仆人。
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21期
《麦克风万岁》
这张专辑入选刘汉盛榜单“测试项目：综合测试片之一”
入选原因：这张CD里的主角并不是作曲家或演奏家，而是麦克风，特别是电容式麦克风。从1927年起，电容式麦克风就一直被用到现在。从这张CD里的录音来听，电容式麦克风无疑完全捕捉了自然的乐器声音，而且一点细节都不遗漏。为了证明电容式麦克风的优点，选录了这张精选集，它让我们尝到了音乐之国奥地利的高录音水平。在说明书中，制作人告诉您每一首曲子是用什么麦克风录的，还附有照片，真是珍贵的资料。听了这张CD的真实自然录音，心中真是充满感动之情。
难关：请注意，这张CD里的每一曲都要有很饱满的声音与闻得出甜味的音色，乐器的形体如果瘦成细线那就太对不起录音师了。贝多芬的钢琴奏鸣曲听得到大钢琴长弦的振动吗？踏瓣的延长音您听到多少？您感受到低音键的坚实震撼感吗？如果都没有，那您所听到的离“真实”还很远。
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16期
20世纪伟大指挥家《卡尔·伯姆》
这张专辑是奥地利指挥家卡尔·伯姆的录音精选辑。参与演奏的乐团：爱乐管弦乐团、维也纳爱乐乐团、科隆西德广播交响乐团、德累斯顿国家歌剧院乐团。
卡尔·伯姆（Karl Bohm，1894年8月24日-1981年8月14日）奥地利指挥家，二十世纪著名的指挥大师。卡尔·伯姆指挥音乐作品，给人以纯正、端庄、沉稳、深厚的感受，而不会给人们带来不安和浮躁的情绪。伯姆的音乐手法是简洁、清爽、有力，排斥了浪漫主义的过度伤感，也不沉溺于放纵的技巧表现，实现了平衡巧妙、音响柔和、节奏稳固的音乐效果。
在音乐内在意义的表现方面，伯姆的方法是不过份地注入感情，不牵强地借助理念和逻辑来表达作品，而是从作品固有的形式中去把握其内在的美；例如在指挥瓦格纳歌剧时，伯姆也不是突出、夸张瓦格纳的激情和虚华的浪漫情感，而是化泛滥为收敛，将纯粹的内在音乐精神凝聚起来，表现出紧张、庄重的美。
卡尔·伯姆是一位对艺术极其认真严肃的指挥家，亦是一位典型的继承维也纳传统的指挥家，他的指挥风格是严谨、端庄、自然、质朴和深邃。伯姆诠释作品时，总是抱着一种客观笃实的态度来研究作品的内容，并力争用一种明确朴素的手法来引导乐队表现出作曲家的意图，从这一点看来，他是一位富于理性的指挥家，而正是这种有着极强控制力的理性，才使他将古朴的维也纳风格保持得那样正统、完好和自然；伯姆的指挥有着异常高雅的意境和气质，人们可以从他指挥演奏的乐曲中感受到一种丰富的艺术修养和深邃的思想性，总是力求作到朴实、稳重和深厚。
伯姆在20世纪指挥艺术史上，是一位引人注目的德奥歌剧和交响乐指挥权威；在歌剧方面，他对莫扎特、贝多芬和理查·施特劳斯的作品有着权威的演释，而这其中又尤以莫扎特和理查·施特劳斯最为突出——对于理查·施特劳斯的作品来说，他的演释具有特殊的积极意义，这位大作曲家兼大指挥家，不但是伯姆在艺术上的一位恩师，同时也是他的一个志趣相投的朋友。
伯姆作为交响乐指挥家也有着极为光彩的业绩，他对于莫扎特、贝多芬、舒伯特、勃拉姆斯和理查·施特劳斯等人的大量交响音乐作品，都有着很有特色的演释。伯姆虽然一生中指挥了大量的作品，然而他却不是一个指挥曲目丰富的指挥家，这种情况是与他本人的个性、气质和精神素质有着很大关系的；他一生基本只指挥德奥作品，对于其它国家的作曲家他几乎是从不过问的，在富于理性的德奥作品中，伯姆却真正找到了适合他个性发展的途径。
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11期
20世纪伟大指挥家《查尔斯·明希》
这张专辑是法国指挥家查尔斯·明希的录音精选辑。参与演奏的乐团：波士顿交响乐团、新英格兰音乐学校合唱团、巴黎音乐学院管弦乐团、法国国家广播乐团。
查尔斯·明希（Charles Munch，1891-1968）法国指挥家，20世纪世界重要的指挥大师之一。明希是一位风格异常鲜明的指挥家，他的指挥风格是明快热情而又自然舒展，一般来说，他喜欢运用较快的速度和鲜明的力度对比，在指挥法国作品时，他十分善于把握乐曲的特色和尺度。
在指挥柏辽兹的作品时，明希能够表现出惊人的宏大气势和绚丽的音响色彩，而在指挥拉威尔的作品时， 他又能够赋予作品一种质朴的情调及清新的气息，在处理德彪西的作品时，他也能够极好地控制乐曲织体层次的变化，使其达到一种雅致的、耐人寻味的意境。
明希不但善于指挥法国作品，对德奥体系作曲家的作品，他也有着十分出色的演释能力，但他与纯德奥体系的指挥家之间仍有着许多不同，与他们相比，明希在德奥作品所特有的庄重稳健的基础上，增加了更多的热情及活力，因此，在德奥体系作曲家的作品中，他更加适合于演释像门德尔松这一类作曲家的作品。
明希是一个最善于挖掘和发挥管弦乐色彩的指挥大师，他对于管弦乐队的音色调配和力度控制，有着极其特殊的天赋和能力。小泽征尔在听完他所指挥演奏的柏辽兹的《罗马狂欢节序曲》之后，曾经被他那出神入化的管弦乐色彩控制能力感动得激动不已，他曾回忆到：“我真不知这位老先生是从什么地方拨弄出来的那样水粼粼的声音，这种将柏辽兹的音乐色彩精雕细磨得闪闪发光的技艺，使我的浑身都激动了起来，我实在没有想到，一首乐曲在经过一个高明的指挥家处理以后，竟会达到如此惊人的地步。”
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18期
莱纳德·斯拉特金《霍尔斯特·行星组曲》
这张专辑是莱纳德·斯拉特金指挥爱乐管弦乐团，演奏霍尔斯特《行星组曲》、沃恩·威廉姆斯《幻想曲》。莱纳德·斯拉特金是美国著名的交响乐指挥家，熟悉乐队的各个声部特性，善于调动和平衡声部的整体效果，能够让乐队发出浑然天成的精彩音响。
霍尔斯特《行星》组曲，作品32，是一部庞然巨著，整个作品分为七个乐章，分别以九大行星中的七个星球命名，而且乐队编制也异常庞大，启用了一般很少登台的低音长笛、低音双簧管、低音单簧管、低音大管、次中音大号等管乐器，以及管风琴和众多的打击乐器，在最后一个乐章中还有一段六声部的女声合唱（有时亦以两支独奏长笛取代）。如此众多的乐器的组合产生了丰富的音响色彩，如在“火星”乐章的一段音乐中，乐队的全奏展示出了地动山摇的气势。
沃恩·威廉姆斯《绿袖子幻想曲》，是用歌剧《热恋中的约翰爵士》第三幕中的一段配乐改编而成的管弦乐曲。而这段配乐的主题，则选自一首叫《绿袖子》的古老英国民歌。
沃恩·威廉姆斯《托马斯·塔利斯主题幻想曲》，是用英国文艺复兴时期著名作曲家托马斯·塔利斯的一个音乐主题发展而成，旋律大气而优美，间有《魔戒》般典型的爱尔兰味道。
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9期
村治佳织《万岁！罗德里戈》
这张专辑是古典吉他演奏家村治佳织与佩雷斯指挥的加利西亚管弦乐团合作，演奏罗德里戈的吉他协奏曲作品。这是村治佳织向作曲家罗德里戈的致意。《阿兰胡埃斯协奏曲》和《节日协奏曲》分别是罗德里戈创作的第一部和最后一部吉他协奏曲，如此选曲无疑体现了村治佳织挑战巅峰的决心。村治佳织满怀着对西班牙音乐的热爱，14岁便登台演奏过《阿兰胡埃斯协奏曲》，并于1998年拜访了罗德里戈，作曲家将她称为“21世纪的诠释者”。曾有弹古典吉他的朋友很自豪地对我说：“吉他是最深情的乐器。”原因很简单，演奏者手指直接接触琴弦，没有间隔。其他乐器如钢琴是通过敲击键盘带动小槌捶击琴弦发音，小提琴是通过琴弓摩擦琴弦发音，多少都隔了一层媒介；而吉他，可以通过指尖直接传递种种微妙的变化。成也萧何，败也萧何。这种拨奏方式注定吉他的音量无法超过钢琴和小提琴，所以它只能流连于咖啡馆客栈，适合恋人之间倾诉绵绵絮语，少有机会登上大雅之堂。如果没有一代传奇大师塞戈维亚的努力，没有作曲家罗德里戈创作的协奏曲，没有演奏家叶佩斯、罗梅罗的精湛技艺，吉他绝不会有今日的风光。
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6期
朱楣、博复生《寻梦他乡》钢琴四手联弹作品
这张专辑是钢琴家朱楣、博复生合作的四手联弹演奏录音，曲目包括德彪西《苏格兰进行曲》、尼克德的六首《南方的意象》、舒曼《东方画卷》、拉威尔《西班牙狂想曲》。两位钢琴家虽然来自不同国家，成长于不同的文化，但他们的演奏极为默契，丝毫没有被一半的键盘限制住，相反，却各自具有螺蛳壳里做道场的本事，彼此互动互促、彼此给予灵感、彼此激发才思，不是此消彼长，而是两股泉流的美妙汇合，迸发出璀璨的音色之光。
朱楣，中国钢琴家、副教授、音乐艺术博士，浙江音乐学院钢琴系副主任、国家教育部留学委员会评审专家。博复生，比利时钢琴家，星海音乐学院钢琴系副教授。朱楣与博复生是从2015年开始合作的，她说：“博老师是一位非常有涵养、非常博学多才的人，他的演奏方式具有典型的欧洲式风格，充满着浓郁的欧洲味道，而我是美国留学回来的，因此我们在一起合作可以达到互补的作用，并且从中会迸发出许多灵感。”
德彪西《苏格兰进行曲》作于1891年，是他根据苏格兰流行小调而作的进行曲。此曲据说是德彪西首次接受委托而创作的四手联弹作品。
舒曼钢琴四手联弹作品《东方画卷》作品66，是舒曼重奏套曲中最为精致老练的一部作品。此曲音符的组合复杂多变，6首小乐曲风格多样，对演奏者的弹奏技巧和方法有不同要求，对演奏者的配合也有独特要求，同时这部作品蕴含了舒曼对神秘东方的浪漫想象，也充满了其音乐作品特有的诗意。
拉威尔《西班牙狂想曲》作于1907年，是他用油画手法展现的一部杰作。许多听众认为这部作品是无与伦比的，它以如画般的手法描绘出浓郁的西班牙气氛和西班牙的精神。西班牙作曲大师法雅对这部作品的评价最为中肯：“这首狂想曲让人吃惊的是通过运用我们西班牙‘流行'音乐的调式和装饰音型，它所表现出来的纯粹的西班牙特性丝毫没有被作曲家的自身风格所改变。”第一乐章《夜的前奏曲》、第二乐章《马拉加舞曲》、第三乐章《哈巴涅拉舞曲》、第四乐章《市集》。
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15期
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