A09. Chopin Mazurka in c sharp minor Op.41 No.1

这张专辑收录了罗莎琳·杜蕾克的演奏录音，包括巴赫的键盘独奏作品。1973年在纽约卡内基音乐厅里，杜蕾克第一次在大键琴上演奏《哥德堡变奏曲》而且得到空前的成功，休息时间过后，她又在钢琴上重复弹奏这部作品。不过由于钢琴丰富的色彩以及对位平稳明晰的声音，杜蕾克还是以钢琴演奏的版本最著名，而且是键盘演奏史上重要的里程碑。1957年在伦敦演奏《哥德堡变奏曲》后，一个乐评人写道：“杜蕾克小姐多样性的触键相当不可思议，活泼的节奏与分句让纯正主义观点，即，只有大键琴才能再现巴赫变得毫无意义。她能够随心所欲地弹出大键琴、古钢琴的音色。她的节奏冲劲让地道的对位在音乐中自然浮现。” 在处理以钢琴或大键琴来演奏巴赫作品的问题上，杜蕾克这样驳斥那些大力主张巴赫还不知道有钢琴这个乐器存在的人。“巴赫是否知道钢琴存在的根本问题，”她这样写：“很明显已经有西尔伯曼钢琴公司贩卖钢琴给布兰茨基伯爵的收据这个历史文献提供答案。这份历史文件的内容已经说明是巴赫真迹的签名，日期是1749年5月，莱比锡，表示这椿买卖是由巴赫办理。” 然而巴赫的钢琴作品不是只有简单的美感或风格合宜与否的问题。如同杜蕾克所指出，“《哥德堡变奏曲》在整个十九世纪都被认为无法在钢琴上演奏，因为音乐里有太多复音以及(演奏者)型体上的问题，因为当时认为双手在键盘上是不可能交替演奏的，布索尼因而重新修订这部作品。用布索尼的话来解释他的意图是最好的：‘为了挽救这部极为优秀的作品在音乐厅里的命运，缩短全曲或重新释义好让听众能够接受、演奏者能够弹奏是相当必要的。在这个版本里，乐曲后半部的建议是尽量一开始就忽略反复记号。附带说明，经过考虑后，我认为省去其中几段变段是最适合对一般大众演出的方法。’所以布索尼建议在音乐会中省略十段变奏，其中有七段是卡农，由此打破全曲的架构与卡农的旨趣。他也建议使用一些简化、添加与扩展后的技巧，布索尼都是遵循巴赫的版本变更，然而不幸的是，有时候布索尼会往没有指示的地方让谱上的主题合并，这是布索尼，不是巴赫。布索尼的观点广为后代所采用与宣传，这是巴赫作品失真的背景原由之一，反对这种作法的音乐家都努力地想以更明确的想法接近巴赫。”

这张专辑收录了尼基塔·马加洛夫的演奏录音，包括海顿、肖邦、李斯特、舒曼的钢琴独奏作品。尼基塔·马加洛夫（Nikita Magaloff，1912-1992）俄裔瑞士钢琴家。1912年出生于圣彼得堡，1992年于瑞士威伟市过世。其家族在俄国大革命后逃往芬兰定居，后来又迁徙到法国。少年尼基塔在巴黎音乐学院求教于伊西朵尔·菲力普，十七岁时赢得首奖和拉威尔亲自颁发的褒扬状，后来他还跟随普罗科菲耶夫学习作曲。其演奏生涯的足迹遍及全球最首屈一指的演奏厅，和萨尔兹堡、爱丁堡、柏林、苏黎世和洛桑等著名音乐节。在亚历山大·布赖洛夫斯基之后，他是首位演奏肖邦钢琴作品全集的钢琴家。从1949到1960年，他接替李帕蒂在日内瓦音乐学院开授大师班，接着在西恩那和塔奥米那开班授课。他为飞利浦唱片公司灌录了许多唱片，特别是他最喜欢的作曲家肖邦的作品。和岳父约瑟夫.西盖蒂合作演出时，他是一位著名的室内乐演奏家。后来入籍瑞士的马加洛夫，是一位具备“高贵的技巧、无误的准确和品味”的演奏家。

这张专辑是钢琴家吉列尔斯与伯姆指挥的捷克爱乐乐团合作，1971年8月在萨尔兹堡音乐节演奏的现场录音。曲目包括贝多芬《第五钢琴协奏曲》、柴科夫斯基《第四交响曲》。CD1中还收录了吉列尔斯与乐团彩排时演奏第二、三乐章的录音。 贝多芬《降E大调第五钢琴协奏曲“皇帝”》作品73，作于1808-1811年。此曲是贝多芬所有的钢琴协奏曲作品中，规模最为庞大的一部，故常被人称为“皇帝”协奏曲。而事实上，此曲也确实具有堂堂王者风范。但是“皇帝”这一标题并不是贝多芬自己命名的，也不可能和某一位特定的“皇帝”有关，公认的说法是由于此曲在当时被誉为无可争议的“协奏曲之王”，故此得名，并沿用至今。在此曲中，作曲技巧炉火纯青的贝多芬，又设计出众多崭新的思路，整部作品在工稳的结构中蕴含着壮阔的波澜、变化无穷的旋律，尤其以主奏钢琴的花奏开始的第一乐章，一开始便给听众以极端宏伟、华丽的印象。 柴科夫斯基《f小调第四交响曲》作品36，作于1877-1878年。此曲为柴科夫斯基交响曲当中最富变化、最热情的乐曲，具有明显清楚的叙述内容，采用纯音乐的形式，却有标题音乐的实质。独特的旋律美感、精妙的结构、精巧的管弦乐技巧，也是此曲长期受欢迎的主要原因。

这套专辑是钢琴大师哈丝姬尔1951-1960年的录音全集。 哈丝姬尔的演奏没有撼人心肺的力度，也没有一泻千里的激情，更没有火花四溅的技巧。她的魅力表现在俯首即拾的自然、一尘不染的纯净、婀娜多姿的妩媚。坎坷的命运没有使她沉沦，反让她的音乐充满了神秘的活力，使她在诠释莫扎特的音乐时将其中的童真表现得更透彻，彷如让听众触摸到莫扎特的灵魂。难怪李帕蒂也称她是"最似莫扎特的莫扎特演奏家”了。 莫扎特的小提琴奏鸣曲是哈丝姬尔晚年与年青的葛罗米欧合作最令人倾倒的录音。比利时学派的葛罗米欧以典雅绮丽的诠释与哈丝姬尔的质朴自然珠联璧合，平和的应答、默契的配合、相互的烘托，将莫扎特音乐中的和谐美表现到了极致，两人没有耀目的炫技、出没有强烈的戏剧冲突，只有两颗心灵在遥相呼应的心语。 除莫扎特外，舒曼是哈丝姬尔留下录音较多作曲家。舒曼的钢琴协奏曲是一部充满浪漫激情的作品，它虽不像李斯特、拉赫玛尼诺夫那样具有汹涌澎湃的气势，但也可说是热力四射了。哈丝姬尔的演奏与她弹奏莫扎特时相比彷如判若两人，雄奇的气象、坚实的造型，与娇弱柔媚的女性风格简直大相径庭。 　　 作为一个女性钢琴家、况且多病体弱，哈丝基尔深知自已绝无可能与力量型的男性钢琴家匹敌，因此她除了在曲目上尽量避免那些太过消耗体力的作品外，在审美取向上更偏重于细腻柔美的婉约型。贝多芬的钢琴奏鸣曲大都是体现力度美的作品，哈丝姬尔选择的第17和18两首虽不属最讲力度的作品，但是一派阳刚味，在1955年的录音哈丝基尔却能将它们弹得清秀温婉而不失雄健。与巴克豪斯、李赫特等力量型钢琴家比较可谓相映成趣，是个十分另类的贝多芬。

这张专辑收录了拜伦·坚尼斯的演奏录音，包括巴赫、贝多芬、肖邦、李斯特、舒伯特、勃拉姆斯的钢琴独奏作品。 拜伦·坚尼斯（Byron Janis，1928-）美国钢琴家。坚尼斯追求音色与表情，擅长演奏拉赫玛尼诺夫和普罗科菲耶夫的作品。 坚尼斯曲目跨及十九到二十世纪初：拉赫玛尼诺夫、普罗科菲耶夫和李斯特协奏曲，贝多芬和勃拉姆斯的奏鸣曲、舒伯特和舒曼的作品，但他还是对肖邦有着特殊的偏爱。除音乐本身外，坚尼斯本身的气质恐怕比音乐本身更能表达“肖邦”的特性。如同哈洛德·勋伯格所描述：“在舞台上，坚尼斯瘦长、几乎弱不禁风的样子，几乎马上唤起台下女性观众的母性怜爱本能，就像肖邦本人再现一样。等到他弹完一首《夜曲》 ，半数观众都猜想会有位乔治·桑从后台走出来，搀扶着他前往地中海静养。” 坚尼斯形容他和肖邦的关系为“灵魂交感”。坚尼斯阐述道：“肖邦对他的弟子说过许多次‘用你的灵魂去弹奏。’如果你想创造真正伟大的音乐，就必需得这么做。如同现实生活，你付出愈多，得到的回馈也愈多。有人害怕无保留的付出，但是对我来说，只有全心付出才能唤起最高的美感和表现这个世界的神秘。让灵魂充分歌唱是妙不可言的经验。如果技巧真能和自己想象力结合，然后呢，神奇的事就会发生。你可以称它为交感、出神入化、浑然物外……随便你。反正它就是‘音乐’，不再是钢琴、也不再是音乐家：此时音乐的境界早已超越这一切。” 坚尼斯相信他“确实和肖邦有些奇妙的因缘，最早是1955年在诺昂特巧遇阿萝蕾·桑（Aurore Lauth Sand) ，也就是乔治·桑的孙女。接着是他发现了四份肖邦从未发表过的手稿，然后又在法国电视台的电视节目中演出肖邦这个角色。”如同霍洛维兹一样，坚尼斯的特点在于优美的歌唱性。如同坚尼斯告诉学生：“你不是钢琴家，而是位歌唱家。当然你学的是这种乐器，但你其实是同时扮演歌唱家和伴奏两个角色。有很多年轻学生觉得怯于去‘唱 ’ 。以前肖邦就建议他的学生，常去听伟大声乐家演唱，你就知道怎么弹钢琴。”

这张专辑收录了拉度·鲁普的演奏录音，包括贝多芬、勃拉姆斯、舒曼、舒伯特、格里格的钢琴作品。 鲁普1971年录制的舒伯特奏鸣曲D.784把我们带到他所开创的一个新领域。在这部奏鸣曲录音里，除呈现作品本身外，我们可以察觉出一种正在消失中的特有俄罗斯学派作风。这种风格明显地表现在第一乐章的响亮极强奏，及最后一个乐章的处理当中。尤其最后一个乐章说明了鲁普是何以能赢得范·克莱本大赛首奖。不只是在高速弹奏时能保有像水晶般明晰的触键，而且在最后的可畏八度音中，显得特别大胆而光采，即便当今知名钢琴家在此都刻意略去部分音符，以免弹奏时会影响速度。1971年鲁普就充分显示他在弹奏八度时的超技，事实上，这个特点也表现在演奏舒伯特《流浪者幻想曲》、舒曼《幽默曲》和巴托克《钢琴奏鸣曲》。虽然如此，他又不是那种急于演奏某些曲子，如柴科夫斯基《第一钢琴协奏曲》以自我炫耀的那种钢琴家。 在前述奏鸣曲录制十年后录制的《乐兴之时》D.780，可引领人们到鲁普诠释舒伯特作品的中心概念．你可以发现他表现这六首作品时所深深沉浸的忧郁、晦暗气氛，可以听到人类心灵的孤寂（如第二号的第二主题）、徒劳的挣扎（第一号中段）、高度的歌唱性，又常常语带哀愁与压抑，这些使得这部作品可被称为钢琴作品中的《冬之旅》。

这套7CD专辑收录了英国作曲家戴留斯的管弦乐团与合唱作品，由比彻姆爵士指挥皇家爱乐乐团、伦敦爱乐乐团演奏。 弗雷德里克·戴留斯（Frederick Delius,1862—1934）英国作曲家。他的创作受法国音乐影响，具有晚期浪漫主义和印象主义风格，与德彪西的音乐有相似之处，作品多描述自然景色，抒发对大自然的感受。戴留斯创作的音乐中常用全音音阶以及紧张变化、平行的和声进行，配器色彩纯净透明、音响丰满，音乐情绪热情洋溢。如歌剧《乡村的罗密欧与朱丽叶》的间奏曲《漫步天堂乐园》就是其中一例精美绝伦的作品。

这张专辑是小提琴家阿卡多与意大利室乐团合作，演奏皮亚佐拉的几部作品。 阿斯托尔·潘塔莱昂·皮亚佐拉（Astor Pantaleon Piazzolla，1921年3月11日-1992年7月4日）阿根廷作曲家以及班多纽手风琴独奏家。以全方位系统的古典音乐训练为基础，创造性地融合传统古典音乐与爵士乐的作曲风格，将探戈音乐从通俗流行的舞蹈伴奏音乐提升为可以单独在舞台上展示的具有高度艺术性，并能表达深刻哲理的纯音乐形式，并由此创立了“新探戈音乐”乐派，成为阿根廷文化的代表人物之一，以及南美音乐史上的重要人物。在阿根廷，皮亚佐拉被尊称为“探戈之父”及“阿根廷国宝”。 《再会诺尼诺》作于1959年。此曲是皮亚佐拉为其父所作之挽歌，也是他最著名以及最具风格代表性的曲目之一。原曲以五重奏编制呈现，乐器包含班多钮手风琴、钢琴、小提琴、电吉他以及低音大提琴，现在则被广泛改编为各种不同编制演奏。 皮亚佐拉曾在1980年回忆他在创作这个作品时说道：“当时，我好像被天使包围着，使我写出如此绝妙的音符，我甚至对这一切深感怀疑。”皮亚佐拉至少采用了二十种不同的配器来演奏这首作品，可以说这个作品一直伴随了他的整个一生的演奏生涯。也有人将Adios Nonino直接译作“再见，爸爸”。

这张专辑是罗马尼亚指挥家谢尔盖·切利比达奇的录音精选辑。参与演奏的乐团：丹麦国家交响乐团、柏林爱乐乐团、瑞典广播交响乐团、伦敦爱乐乐团、柏林广播交响乐团。 谢尔盖·切利比达奇（Sergiu Celibidache，1912年6月28日-1996年8月14日）罗马尼亚指挥家，二十世纪世界著名指挥大师之一。切利比达奇的指挥特色是演奏速度较慢，有人认为，这是他受“玄”学的影响之故，他的最擅长的曲目是布鲁克纳、勃拉姆斯、贝多芬等音乐家的作品，但他拒绝指挥马勒的作品。

这张专辑收录了莫扎特的九部小提琴与管弦乐团作品，由小提琴家艾萨克·斯特恩担任独奏。 斯特恩与乔治·赛尔合作的录音是1960年代，演奏非常出色，可谓他的最高水平录音；与亚历山大·施耐德合作的录音是1970年代，虽然已非他的黄金时期，但演奏水平仍属于一流。斯特恩与祖克曼合作的两部作品，可谓水乳交融、极其默契。