01. Violin Concerto Op.77 - 1. Allegro non troppo

这张专辑是著名长笛大师詹姆斯·高威与东京弦乐四重奏团合作，演奏莫扎特的4部《长笛四重奏》和一部由《F大调双簧管四重奏》改编成的《长笛四重奏》K.370。 东京弦乐四重奏团是世界上首屈一指的室内乐团，每一位成员之间已经培养出合作无间的默契，诠释莫扎特作品如呼吸一般地自然。高威的演奏加上东京弦乐四重奏的衬托可谓相得益彰，灵活宛转、轻亮柔美的音色将乐曲演奏得丝丝入扣。 专辑演奏、录音水平一流，获得《日本唱片艺术》推荐。 莫扎特的长笛四重奏是清新、明快的，充满了诗情画意的美好气息，仿佛森林的清晨里，那些闪烁的露珠和婉转的鸟鸣。 《D大调第一长笛四重奏》K.285，作于1777-1778年间。《G大调第二长笛四重奏》K.285a。由两个乐章构成，调性、速度、节拍皆类似，只在和声和乐句对话方式上略有差别。《C大调第三长笛四重奏》K.285b。《A大调第四长笛四重奏》K.298，以一组变奏曲及一首轮旋曲组成，此曲多采用当时上流社会耳熟能详的旋律，透过莫扎特的巧手编写，用于炒热朋友派对的气氛之用。第二乐章为三拍子的小步舞曲，主旋律由小提琴与长笛优雅的奏出，其中中段的长笛主旋律，取材自法国古回旋舞曲《巴斯丁穿鞋子》。整个长笛弦乐四重奏可以表现出长笛华丽的音色及灵活的技巧，且在曲目的架构安排活泼热情生动的音乐风格中兼具缓慢与宽广的抒情旋律，表现出古典时期典雅、精致、纯净等特质。

这张专辑是指挥大师莱纳率领芝加哥交响乐团演绎法雅的作品。 如果说欧洲各国光彩夺目的西班牙作品让人感到炫目着迷，那么很多西班牙本国的音乐家肯定会觉得自己的文化遭到曲解。二十世纪之初的西班牙是一个多么落魄的国家：曾经称霸全球的殖民帝国，其海军舰队居然被年轻的美国在两天之内粉碎性摧毁；动荡的政局和贫穷落后的乡间，导致很多希望出人头地的艺术家和音乐家找不到自己的平台。法雅在成名之前不得不靠创作Zarzuela轻歌剧维持生计，其作品首演的时候管弦乐团居然只有一把小提琴，连单簧管都找不到，低音大提琴还是从隔壁酒馆里借回来的。要不是在法国巴黎结识了德彪西的话，他“永远都会湮灭在马德里酒吧里平庸的轻歌剧和钢琴私人家教课里，写出来的一堆Zarzuela轻歌剧只能塞在尘封的抽屉里”。不过，这位早年潦倒的作曲家后来取得的艺术成就远高于那些贩卖西班牙特色的音乐家。跟同时代的毕加索一样，法雅的艺术体现了当时西班牙这个国家的强烈矛盾：既处于欧洲最西端，却继承了厚重的东方文化；既是曾经最强盛发达的帝国，却沦为封闭荒蛮的偏远角落；既有虔诚内向的灵魂，内心深处却充满野性的澎湃。法雅文静内敛，是一个虔诚的天主教徒，但内心总要表达一种像斗牛士般野性的呐喊。 无论是《三角帽》还是《爱情魔发师》，法雅都避免过分滥情的浪漫主义风格，而是用一种类似于德彪西管弦乐素描的“轻描淡写”。他跟毕加索一起把西班牙的文化艺术推入欧洲现代主义的洪流，他的作品没有对过去的怀恋，也没有对未来的憧憬，而是客观地反映现在，用最原始粗狂的元素传达自己的声音。 莱纳的《西班牙》专辑是从西班牙本国作曲家的视觉审视西班牙自身。莱纳棒下的法雅作品黑沉、神秘、诡异，充满原始荒诞的色彩；担纲独唱的黑人女高音普莱斯不再是拥有金钻般声线的崇高戏剧女高音，而是略带嘶哑的神秘女人。此作品本来由钢琴独奏演绎，难度很大，但管弦乐版本比较难得稀有。如果说阿根塔的《西班牙》是一幅靓丽的风情画，那么莱纳的《西班牙》则是一幅具有张力的写实素描。

这张专辑是小提琴家罗兰·多加雷与阿连·隆巴德指挥的法国波尔多阿奎丁交响乐团合作，演奏拉罗《西班牙交响曲》、肖松《音诗》。罗兰·多加雷的演奏孤傲激扬、缠绵温柔、滑爽舒畅、无比优美，将这两部旷世之作表现得高贵儒雅、令人着迷。出色的录音将弓弦的摩擦质感，流水般贯穿全曲，空间中自然的堂音、通透明亮的琴声、甜美的音色尽收其中，令人激赏。 拉罗《西班牙交响曲》作品21，作于1873年。实质上，此曲是一首小提琴协奏曲。在拉罗的作品中，经常可看到类似本曲这样“名不副实”的现象。或许是由于曲中所出现的奇特节奏、旋律，以及这些所描绘出来的浓厚的西班牙风格，所以作者才有意加上这个标题的。这首乐曲不但在外表上有华丽的效果和迷人的情调，而且在内容上也颇具深度，不愧为拉罗的代表作。伟大的音乐家柴科夫斯基听了这首乐曲之后，曾评价道：“这是极为愉快、新鲜而又明朗的乐曲……他的期望并不在于深刻”。 肖松《音诗》作品25，作于1896年，是为小提琴与乐队而作的交响诗，也是他最著名的作品。此曲创作灵感来自屠格涅夫一篇小说中，一位少女被梦中一把有魔力的小提琴诱惑的故事，表达肖松内心世界的一种不容易捉摸和近于病态的压抑之感。被印象主义音乐大师德彪西评价为：“洋溢着作曲家高超的技巧和灵感。”《音诗》非常富于诗意，同时又具有一些戏剧性因素，乐曲的结构稳妥合理，毫无冗长乏味之嫌，反映出作者过细的设计和特别精心的技艺。轻度的伤感，狂喜但有所克制的热情，含蓄，雅致，笔法之极度精练——所有这些都是它的特点所在。这首乐曲自始至终给人一种亲切的感觉，因为其中所表达的热情并不激烈，往往是在谨慎和含蓄中带点激动的柔情。

1992年元旦，时隔三年之后卡洛斯·克莱伯再次出现在金色大厅指挥新年音乐会，留下了这张极为精彩的录音。由于1989年那次的大获成功，所以在1992年正逢维也纳爱乐乐团150周年团庆之际，乐团方面特别邀请克莱伯出山。而这确实是一场极为珍贵的盛会，卡洛斯·克莱伯在当年便功成身退，此后极少在公开场合进行演出。在选曲方面，小克莱伯先以奥托·尼古莱的《愉快的温莎妇人》序曲作为开场曲，这首曲子在小克莱伯的指挥下，变得灵气十足，热情四射；在上半场的最后一首游览车快速波尔卡中，克莱伯亲自拿起小号，模仿汽车鸣笛的声音，令人忍俊不禁。下半场以小约翰·施特劳斯的《吉普赛男爵》序曲开始。在这首曲子中，小克莱伯与卡拉扬1987年的风格截然不同：卡拉扬追求一种完美的境界，而克莱伯却崇尚一种畅快淋漓的宣泄。正式曲目的最后一首，小克莱伯选了《电闪雷鸣》快速波尔卡。此曲的结尾被故意拖长，未等曲音落定，观众席上就传来雷鸣般的掌声。传统的压轴曲《拉德茨基》进行曲更是演绎得好，有人评说，这次的拉德茨基是最为狂热而成功的。

理查·盖利安诺（Richard Galliano）出生于1950年12月12日，是皮亚佐拉最后一个关门弟子。这位有着意大利血统的法国人，被誉为20世纪最杰出的手风琴家，其手风琴技巧令人炫目，尤其是演奏皮亚佐拉的名曲《自由探戈》，在后世的无数版本中，这是最耀眼令人赞叹的。除了《自由探戈》，如果从未听过理查·盖利安诺演奏的音乐，推荐两首《Vuelvo al sur》和《New York Tango》，前者也是皮亚佐拉的名曲，连电子组合Gotan Project的演绎都令人印象深刻，自是不用说。后者则是盖利安诺的作品，他融入了即兴爵士的手法，豪华的乐队伴奏，是在此之前从未有过的新探戈的尝试。 理查·盖利安诺四岁起就跟随其父练习手风琴，少年时代迷恋上了爵士，尤其从小号手Clifford Brown的音乐中得到启示，并很快驱使他投入到爵士音乐这片新天地中，1970年代他移居法国后，就开始为一些著名的爵士乐手伴奏，诸如Chet Baker、Ron Carter、Michel Petrucciani、Jan Garbarek等。直到他遇见给他带来巨大影响的人：阿斯托尔·皮亚佐拉。 理查·盖利安诺曾经说过，皮亚佐拉就是他的导师，引导他掌握自己的风格，并一直鼓励他，让他充满信心，直到皮亚佐拉逝世，他们一直是伙伴关系。在与皮亚佐拉合作这段时期内，盖利安诺重拾欧洲民谣的传统，以一种全新的方式来表达他内心的探戈。虽然手风琴bandoneon琴作为一样非常本土化特殊的民间乐器，在爵士乐中绝少有成功者，且难登高雅之堂，但是盖利安诺却成功地将探戈这种小酒馆式的小调舞曲以手风琴与管弦乐队合作的手法来演绎，有时候甚至气势恢弘，带有强烈的英雄诗歌体般的气韵。

这张专辑收录了霍洛维兹演奏的经典大众化曲目，都是录音室版本，音质很清晰无任何底噪。没听过霍洛维兹演奏的肖邦作品绝对是你的损失，还有舒曼《童年情景》之类的小品也是强烈推荐。霍洛维兹是一个有争议的钢琴家，因为他的演奏极端追求表情与效果。在技巧方面，他对速度和力度的控制出类拔萃，尤其是在八度表达上，有惊人的能力，既能发出铿锵有力的金属声音，又有梦幻般的柔美音色他擅长强音，擅长制造快速的音效，追求美妙的连音效果，他强调的是极端的对比和极端的表情，他的演奏能创造最出色的效果。霍洛维兹最擅长挖掘类似舒曼、肖邦、斯克里亚宾、拉赫玛尼诺夫、克莱门蒂等作曲家的神秘因素，他演奏的舒曼的《童年情景》、《克蒂斯勒偶记》、《梦幻曲》以及斯克里亚宾与克莱门蒂的奏鸣曲、拉赫玛尼诺夫的前奏曲与练习曲都有极强的造型感。晚年他醉心于莫扎特，但他的莫扎特是极端效果化的莫扎特，他认为他对作品效果的追求，是他的音乐创造。

这张专辑是小提琴家凡格洛夫的演奏精选辑。马克西姆·凡格洛夫1974出生于西伯利亚，10岁获得波兰“青年纳尼亚夫斯基比赛”第一名，1990年获得卡尔.弗莱什国际小提琴比赛头奖，已录制唱片十余张，获奖无数。在自述中，凡格洛夫提及六岁时，当他在莫斯科举办的演奏会结束后，一位老者走到他面前对他说：“你要注意我说的话，保持你现在的样子，保持一生，不要损坏它。让你本性中的音乐性自然地发挥，不要加上不必要的思考。你的良好技巧足以展示你心中的真实感受。”这句话一直铭记在心。

这张专辑是菲德勒指挥波士顿通俗管弦乐团，演奏19首著名的芭蕾舞曲，包括芭蕾舞剧《胡桃夹子》、《天鹅湖》、《葛培莉亚》中家喻户晓的选段，还有伯恩斯坦、肖斯塔科维奇、哈恰图良的伟大舞曲音乐。专辑的演奏、录音都是一流的，录音场地是堂音丰满的Boston Symphony Hall，而录音及监制是天碟搭档Lewis Layton、Richard Mohr，有此背景在，菲德勒的录音又怎能不靓声，专辑包括多首发烧友熟知的爆棚乐曲，低频汹涌，是最佳试音天碟。

这套合辑收录了钢琴家莱斯利·霍华德演奏的贝多芬九部交响曲，这是由李斯特改编的钢琴独奏版本。 李斯特曾师从于车尔尼，车尔尼是贝多芬的学生，从这点看，李斯特与贝多芬有传承延续的关系。让李斯特最早接触贝多芬的作品是老师车尔尼。这些伟大的作品深深印刻在了少年李斯特的心里，让他在心底像神一样地敬仰和崇拜贝多芬。一个偶然的机会李斯特在维也纳邂逅了贝多芬，据说贝多芬给了李斯特一个“神圣之吻”。李斯特对那次邂逅终生不忘，并对他后来的音乐生涯影响很大。可以说，正是那次邂逅，让贝多芬一直活在他的心中，贝多芬的作品伴随着他的演奏生涯。1837年开始，李斯特将贝多芬的交响曲改编创作成钢琴独奏作品。将一部部气势宏大的交响作品，尤其是贝多芬的作品，做这样的改编，除李斯特这种钢琴奇人，别人无法想象，这也是李斯特创作生涯中的一座丰碑。

这张专辑是小提琴家薇薇安·哈格纳与施耐特指挥的柏林广播交响乐团合作，演奏柴科夫斯基、门德尔松的《小提琴协奏曲》。