李高阳乐队《Homage》，致敬一切崇高事物

金志文带着他的新专辑震撼来袭，打击乐手高兴、TFBoys御用贝斯手王瀚一节目亲情助力，与音乐人李杰 一起燃炸舞台！让音乐带着梦想的翅膀，一起远走高飞！

这张专辑是日本钢琴家辻井伸行演奏穆索尔斯基的钢琴套曲《图画展览会》，附带李斯特的音乐会练习曲《叹息》、音乐会改编曲《弄臣》。演奏《图画展览会》这部作品不但要有磅礴的气势，而且要表现略带忧郁、充满神秘主义、错杂其间的诡橘色彩。完整地演奏这部套曲需要耗费钢琴家相当大的体力和考验演奏者的能力。辻井伸行非常成功地把许多独立的、个性的、鲜明短小的段落有机地融合在一起，同时也演奏出具有强烈感染力和鲜明色彩的旋律。 穆索尔斯基的钢琴套曲《图画展览会》在绘画和音乐相结合的作品中是一个非常典型的例子。它首先是由15段音乐组成：1段漫步，2段侏儒，3段漫步，4段古堡，5段漫步，6段杜伊勒里宫的花园，7段牛车，8段漫步，9段雏鸟的舞蹈，10段两个犹太人，11段漫步，12段里莫埃的集市，13段墓穴，14段鸡脚上的小屋，15段基辅的城门。其中有10段个性鲜明的标题音乐来描写画，有5段“漫步”主题穿插其间。在风格上这10幅画虽各有不同，但是却联结成一个有机的统一体，由一个承上启下的贯穿主题的“漫步”来贯穿其间。“漫步”主题夹杂着作曲家冥想的形象，踱步在10幅画中，同时冥想的形象情绪的不同变化，随着画面的不同而产生变化。通过变奏这个基本主题，逐渐走到《基辅的城门》中，以宏大的气势，表现出了穆索尔斯基对画家的沉痛、深切的 哀念。“漫步”是以一个套曲的引子开始，而且本身也是一个完整的乐曲，经常重复，同时在各小曲之间都以新的方式加以变奏。 李斯特《叹息》是1849年出版的《三首音乐会练习曲》之三。有些人根据标题译为叹息，有些人则因那似海水的波浪一般的旋律而更称为大海。这首需要两手交替演奏主旋律，并辅以轻柔的琶音伴奏的曲子是李斯特极至浪漫主义的极好体现，华丽的奏法也是李斯特的后浪漫主义风格和炫技演奏的最好证明。乐曲的优美旋律倒是颇有田园意境，不过结尾处不可思议的下行全音阶的大三度和弦，正如黑暗中发出的一声叹息。 李斯特的钢琴改编曲《弄臣》是1859年李斯特以威尔第歌剧《弄臣》中一段著名的四重唱《赞美你，爱情的女神》为材料，重新组织改编而成的一首钢琴曲。

《蓝色世界》 这张专辑所有歌曲创作以及后期制作均由茹鹏浩独力完成 以《蓝色世界》作为主打歌，集多种不同风格歌曲于一张专辑中 风格新颖，情绪明朗，pop风中表达出森林系感觉。 整张专辑中比较偏向节奏流行风，表达出作者丰富细腻的情感变化，富于新鲜感。

3D声音图书 在科学思维中，永远存在着音乐的因素，真正的科学和真正的音乐要求同样的思维过程。 可能你会觉得奇怪，音乐与科技怎么会联系到一起呢？或许你有没有好奇过数字与音乐的联系？或许你有没有想过音乐与数学、物理之间，有没有联系呢？那么你有没有兴趣随身携带一栋3D声音图书馆，听听从古至今数字与音乐一起经历的那些事儿呢？在未来的日子里，我的3D声音图书馆将带你认识音乐的内在美、体会科技与音乐的相互交融，让你能够在复杂多样的世界中独立思考，在独立思考的过程中又能深入体验这个丰富多彩的世界。 耳机里的音乐厅 “音乐之父”巴赫带你走进德国古典音乐世界；“进口小哥哥”迪玛希弹起他心爱的冬不拉；“高音王子”维塔斯为你一展歌喉。我们在巴厘岛的阳光沙滩敲击甘美兰；在神秘的沙漠讲《一千零一夜》；在土耳其聆听军队进行曲；在古老天竺感受印度佛国妙音。没听够？太传统？那我们去爱琴海岸，音乐家雅尼带你感受充满“中国情调”的现代电声音乐作品；去宝莱坞听电影主题曲。最后在夜晚的葡萄牙，喝杯红酒，耳边伴着蓝调音乐法朵，感受葡萄牙浪漫。这一切的一切，只需你带上耳机，就可以沉浸于音乐之中，随心享受“耳机里的音乐厅”。 声音穿梭机 请各位乘客携带好行李，准备登机，我们的奇幻旅程即将开始。首先我来介绍下旅程的大致安排。 第一站我们会带你穿梭到 “声”时空，在那里，我们将以远古时期为起点，一同探索来自远古的声音，寻找声音的起源，去聆听每个声音的律动。第二站我们穿梭到“音”时空，从战国时期至今，为大家揭开音乐的神秘面纱。第三站我们来到 “乐”时空。在这里我们一同参观从秦汉时期延续至今，琴的发展，倾听各式各样乐器带来动听的乐音。相信你们已经非常好奇了，那就让我们一同进入时光隧道，回首过往，再看今朝！ 音乐实验室 你想了解数字音乐是如何制作的吗？想学习创作的方法吗？音乐实验室将会满足你所有的需求。 数字音乐，是通过数字方式进行生产、存储并通过有线或无线方式进行传播、消费的非物质形态的音乐产品。如今，数字音乐越来越被大众所熟知。你想了解数字音乐背后的故事吗？想知晓数字音乐是怎样创编的吗？在这里，我们将打破传统音乐形式，带你探索各种节奏型，感受自由切分的律动。在这里，我们将带你创作属于你自己的旋律。在这里，我们将带你体验不同的音色，各类的音效，捕捉生活中的点点滴滴，丰富我们的音乐。在这里，我们将带你感受数字音乐的神奇，探索更多的奥秘。 声音加工厂 首先给大家听一段音乐。大家对这段音乐有什么感觉呢？是不是觉得很有趣啊。这就是通过“声音加工厂”加工出来的音乐，即用数字音频工作站对声音信号进行编辑处理后，所呈现的效果。数字音频工作站（Digital Audio Workstation，简称DAW)是以计算机硬盘为主要载体的数字音频系统。他是随着数字音频技术的发展和计算机技术的突飞猛进，将两者结合的新型设备。而常见的一个数字音频工作站由其硬件设备和软件程序组成，其中硬件设备常常包含话筒、音频接口、调音台、计算机以及音箱。而其软件程序则有许多，例如在PC电脑上常用的cubase软件，以及在MAC电脑上常用的Protools软件等。在这里我将以cubase为例给大家进行介绍。在制作这段音乐时，我们首先用Cubase采集了一段铁匠工人铸铁时锤炼钢铁的声音，作为音频切片，导入数字音频工作站进行编辑，通过音频的后期处理从而制作出这段音乐。 计算机数字音频工作站，不仅可以用于对声音信号的录音、剪辑、处理和缩混，而且还能够进行与数字视频、MIDI制作有关的一些工作。怎么样，是不是觉得很有意思呢，那么在今后的日子里，我将带领大家走进“声音加工厂”，感受数字音频的魅力。

九十男老师单价

这张专辑是钢琴家安达1965年7月27日在萨尔兹堡音乐节的现场录音。曲目包括肖邦的24首《前奏曲》、24首《练习曲》。比较起来，音乐会前半部分的肖邦《前奏曲》，发挥稍逊于《练习曲》，安达演奏的肖邦《练习曲》独具生动的气韵，而演奏《前奏曲》时尚未达到最佳状态，相比之下，显得平实了一些。 肖邦一共创作了26首前奏曲，包括作品28的24首、作品45以及无编号的《降A大调前奏曲》。肖邦的每一首前奏曲都是一幅完整的图画或印象。肖邦自幼体弱多病，27岁时，由于肺病缠身，朋友们陪伴他去地中海的梅杰凯岛上去疗养。在那里，肖邦获得灵感，创作了作品28的24首前奏曲。这些是前奏曲按十二平均律的律制方法，从C大调开始到b小调，以不同的24个调写成的，其排列方法为五度循环，即第一首为C大调，第二首为它的关系小调a小调，第三首为C大调的上方五度的G大调，第四首为其关系小调e小调……依此类推，最后有24首乐曲。有人认为由于这24首前奏曲关系紧密，应看作是一部音乐作品，做连续演奏。这24首前奏曲一般以一个短小的乐思为中心而构成，但是乐思并不是只做单纯的反复，也不做技巧的展开，而是按肖邦的感情做惊人的发展，其中有些曲子有着超凡的演奏技巧，绝不是容易演奏的作品。 《练习曲》作品10，作于1832－1836年间。献给李斯特的夫人阿古尔特伯爵夫人，后来他们的女儿科西玛嫁给理查特·华格纳。虽然作品10和作品25是在同一时间写成的，但是作品25相比起来更像音乐作品，而不是一些技术难题的攻破。 《练习曲》作品25，也是由12首曲子组成，除第12首写于1831年冬天外，其余都写于1836—1837年间。

这张专辑是古典吉他、鲁特琴演奏家朱利安·布里姆，演奏约翰·道兰德的鲁特琴音乐与舞曲。布里姆是把16世纪伊丽莎白一世时代的妙音佳作搬上现代舞台的第一功臣，英国文艺复兴时期的王牌作曲家约翰·道兰德的多情经典经由他的婆娑指尖闪耀今宵。 在布里姆时代，大部分世界顶级吉他演奏家们的右手都是塔雷加式的姿势，即，大拇指大幅度外放，其他手指相对并拢且与琴弦呈近90度角。布里姆、威廉姆斯、耶佩斯皆是如此，何况彼时的吉他皇帝安德烈·塞戈维亚有着甚于90度角的右手拨弦姿势。这种手势配合相应的指甲形状，让音色规整有力，坚而不炸、软而不塌、迅而不虚、缓而不粘，是以风靡那个时代。布里姆如法炮制，用同样的手法演奏鲁特琴。然而，他的鲁特琴是特制的，抑或说，那个时代的鲁特琴制作工艺都是以吉他的声学构思来仿制，介于文艺复兴鲁特琴与巴洛克鲁特琴之间，这样做出来的鲁特琴，有着跟吉他相似的琴弦张力和色彩变换，加上当时尼龙琴弦的普及，手指触感无二。以布里姆的手劲能让鲁特琴音色不破，足以证明那个时代的鲁特琴制作工艺是直接以吉他做参考，鲁特琴的制作更像是依葫芦画瓢。 从最广义的当代吉他发展史来说，布里姆功在千秋，“鲁特琴大家”当之无愧。沉睡几百年的鲁特琴能够在二战后的混凝土中再生萌芽，在新思潮的烟云间浊浪清霞，很大程度上拜他所赐。

这套10CD合辑是德国管风琴家赫尔姆特·瓦尔哈为了纪念巴赫离世200周年而录制的。在那个年代，要完成这样一个令人惊讶、雄心勃勃的计划需要很大的魄力。这一计划由于日新月异的录音技术发展而多次中断和延期（从早期的胶盘到寿命更长的单声道录音，以及立体声录音）。瓦尔哈对于传统乐器演奏方面具有很强的实力，完全胜任这个录音计划。 其实，第一批录音早在1947年8月份就已完成。那是在刚刚结束的世界大战之后以及货币政策改革之前那段非常艰难的时期进行的，所用的乐器是吕贝克城一架小小的圣－雅克比教堂的管风琴。别看雅克比那里的管风琴教堂建筑虽小，但却是早期德国最为著名的场所之一。这一批录音的成功使大家产生了录制巴赫管风琴作品全集的决定。当然，这并不是试图在吕贝克完成全部的录音，虽然吕贝克管风琴的原始音色非常优美，但年久月深的管风琴踏板会产生很不合谐的声音、短八度音节的表现大打折扣，况且越来越嘈杂的交通噪音干扰使在那里的录音变得更加困难。 后来，在德国北部寻找另外的早期乐器，期间瓦尔哈发现要演奏巴赫键盘练习曲第三部分“较小”的圣咏前奏曲，需要借助跨八度音阶与升C大调所有的半音，而这个任务似乎只有不来梅附近，卡佩尔市的Arp Schnitger管风琴可以胜任。这架管风琴本来是为汉堡的圣－约翰尼斯教堂所造，拿破仑时代（大约1816年）从汉堡调配到这里。经过保罗歌剧院的戈廷根工匠修复，管风琴终于调配到可以演奏的状态。后来，瓦尔哈的录音面世后，这架饱经风霜的管风琴又成为世界闻名的乐器，因此，在1950年6月和1952年9月陆续用卡佩尔的这架管风琴录制和完成了一系列巴赫管风琴作品，而且，原先用鲁贝克管风琴所录制的作品又重新在此录制。 瓦尔哈对巴赫作品的诠释始终如一。无容置疑，瓦尔哈拥有着非常人所能把握的超常音乐感知力，在炫技乐章，年轻的瓦尔哈时而演绎得无拘无束，时而又突出器乐过渡间的人声演绎。这些录音融合了巴赫作品所终生贯穿的艺术与精神精华。与此同时，它们也翻开了录音历史上新的一页，这些始终会与瓦尔哈的名字相连，即使是模拟录音，也无法掩盖瓦尔哈对巴赫的完美演绎。

1995-2019丨华语芳华，凝萃感动；今朝听，莫泪流。

“沧海龙吟”琴，是张子谦先生的心爱之物。明代著名斫琴家祝公望所制蕉叶式。“沧海龙吟”的造型秀美自然，音声虽不宏大，但充满了内在的气韵和力量。《沧海龙吟》一曲更是百听不厌，李凤云心摹手追，也成为了她音乐会上的保留曲目。这次用明琴“沧海龙吟”录音，弹奏《沧海龙吟》便成了。不意中，也与以前出版的用宋琴“梅梢月”弹《梅梢月》曲；用宋琴“南风”弹《南风》歌，形成了一个系列。可谓琴坛之佳话。更为特别的是专辑第八至第十一首是李凤云与王建欣伉俪琴箫合奏之名曲，与之前出版的《箫声琴韵》更是遥相呼应。